沉浸／沒於聲濤中的歷史記憶：北美館開放網絡計畫及《沉沒的聲音》演出

從蔡明亮《家在蘭若寺》（The Deserted，2017），到陳芯宜《留給未來的殘影》（Afterimage for Tomorrow，2018）、《無法離開的人》（The Man Who Couldn't Leave，2022），以及即將在台展演的阿比查邦《與太陽對話》（A Conversation with the Sun，2022），無論是知名導演投入 VR 創作，亦或是影展競賽加入 VR 類型單元，VR 作品顯然已經成為當代影迷所無法忽視的新型態影像媒介。

然而，儘管 VR 電影在場景建構上，可以創造出超現實的情境，例如：《無法離開的人》有一場景同時上演三段情境，政治受難者家屬於黑夜街頭徘徊、空等；政治受難者的受刑過程；觀眾腳下，我們與一群被囚禁在密閉空間的政治犯相互對視。實際上，上述場景本身的元素，大部分有實拍之基礎，並於後製階段透過技術「縫合」以同時併陳，致使此類 VR 電影仍然延續著敘事型電影的影像畫面所具備的強大指示性功能，亦即，畫面中的內容物，都找得到現實中的視覺對應物。

2025 北美館開放網絡計畫，線下計畫「沉沒的聲音」 場景照。圖像提供：臺北市立美術館

對立於以實拍為基礎的 VR 作品形式，便是許家維裝置作品《土的工藝》的 VR 部分，與今年「北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open」中的線下計畫「沉默的聲音」中的 MR 表演，後者與清大水下考古學暨水下文化資產研究中心協作，探索澎湖周邊海域下的考古文物，重建及考察三艘船艦的相關歷史。「開放網絡計畫」是一個銜接 2028 年北美館藝術園區的平台培養數位公民，有別於本館作為臺灣現當代美術史常設展示與研究的定位 ，新館則是把目標放在數位化時代新科技於藝術創作上的應用，以及跨領域合作的潛能，也因此「開放網絡計畫」則擔負嫁接現在與未來藝術表現可能性的任務，除了實體展覽外，更有結合線上與線下的整合活動。像是線下計畫的「共域計畫」之三「VR 圖書室計畫」，便是劍指 VR 作為新媒體媒材對於觀影機制的推進，以及北部 VR 作品展出與平台空間的缺乏，透過如同「圖書館」般一次網羅多件作品，入館後可選擇想體驗的作品排隊觀賞，而非針對單件作品的售票模式，為 VR 推廣與研究奠定基礎。相較於映演方式已規格化的影院，VR「個人觀看」的限制，包含動線安排、觀影銜接，甚至工作人員的專業門檻都使得 VR 展覽與放映都有更多可操作／需要考量的空間。

回到許家維兩件作品的虛擬實境部分，皆由遊戲引擎製作虛擬場景，其與上述作品形成之差異，並非僅僅只是影像生產工具與來源的差異，而是在根本上，兩者為全然不同的觀看邏輯。在許家維的作品中，儘管過程中的體驗內容都有現實中所指涉的對象，但虛擬場景的視覺內容之於現實中的對應物，卻未必是「視覺的」，而更接近資料視覺化（Data Visualization）的邏輯。

許家維，《土的工藝》（錄像截圖），2022 年，虛擬實境：14 分 43 秒，單頻道錄像：9 分 30 秒，磁磚裝置。2022 愛知三年展委託製作。圖像提供：許家維

虛擬場景的視覺內容在現實中的對應物，未必都是「肉眼可見的」，就像統計數據以長條圖或圓餅圖的方式表示，數據以圖像方式呈現只是為了方便辨識其中的差異，同時也像是觀看地圖的經驗，地形圖透過不同顏色漸層標示出不同的地貌，實際地貌則不存在地圖標記上涇渭分明的顏色區隔；同時，更不是反映出實際地形的顏色，顏色的功用只是為了透過肉眼上可見的區隔，來讓特定知識中意欲被標示出的差異成為可見。

由 Minecraft 遊戲引擎製作搭建場景的《土的工藝》，儘管在視覺上模擬現實中的日本常滑市，但是 Minecraft 像素畫般的視覺質感，一定程度上轉移了觀眾對擬真程度的要求，而更把注意力放在作品所處理的核心主題：「土」作為構成城市的基本元素。Minecraft 遊戲引擎本身源於製作沙盒遊戲《當個創世神（Minecraft）》，玩家在遊戲中具有非常高的自由度，能夠進行資源的採集，並打造自己的世界。遊戲中出現的物件，並不會因為以方塊狀形式呈現，而認不出其實物；相反的，「（構成整體最小單位的）元素」這個抽象概念以「遊戲中所有物件都是方塊狀呈現」被標記出來，遊戲核心概念的「玩家能進行資源的採集，並打造自己的世界」也因此成為感官層級上的事實，並完全呼應了「土」作為常滑市構成元素的核心。同時，這裡的「土」所指涉的不只是一個特定的物質對應物，而是一個抽象層級的媒介，土經由人手而成為土製品，貫串在百年窯業、人工島上的交通建設、對外輸出的文化製品之中，再回過頭生產常滑市居民之間、與環境之間的關係。

如果說地形圖的例子是從肉眼可見的差異，透過特定的框架進行分類，並轉化成以顏色表現區隔的視覺模型。那許家維更感興趣的領域，毋寧說是從聲波／聲音本身獲取資訊的技術與學問：當觀眾走進體驗《沉默的聲音》MR 裝置展間時，首先映入眼簾的，是三面懸吊的螢幕，以及數座同樣懸吊於天花板的聲納水箱；觀眾腳踏著的地面，印上的是聲納探測螢幕的圖像，以顏色的差異，標誌出不同區域在聲納感測空間上的差異。而三面螢幕分別放映的是澎湖耆老葉成仁褒歌〈討海歌〉、潛入海中演奏自製螺旋槳樂器的片段，以及由香港作曲家許德彰在船上即時混聲所編制出的實驗聲響。

許家維，《在聖堂裡的一場演出》（錄像截圖），2021 年，三頻道錄像，16 分 40 秒，3 分 53 秒，6 分 40 秒。圖像提供：許家維

這已經不是許家維第一次展現出對「聲學」的高度興趣，原於個展中以影像裝置呈現，並參與 2024 台灣國際紀錄片影展（TIDF）的《在聖堂裡的一場演出》，便是記錄考古學家如何透過於和平島上的教堂遺址，拼湊出十七世紀大航海時代的歷史事件。許家維並不滿足於呈現考古資訊的大量轟炸，於是試圖透過一場位於教堂遺址的「聲音表演」，以聲音表演中的部分樂器，呈現出在考古過程發現，並延伸製作出的鹿角或鐵器等物質器樂。傳統的考古學，較為重視視覺與物質層面的考察，然而「考古聲學」卻將聲學的知識導入考古學的實踐，讓特定時代的歷史重建。這場演出不只是訴說「聲學／聲音」如何擴展歷史記憶，也實際上透過聲音表演，以聲音在感性上更為直觀的連結作用，與以知識生產、高度結合的視覺模型／模擬做出區隔。

比起「音樂會」，這場演出更接近「聲響表演」。聲響藝術的其一起源可追溯至「具象音樂」。我們平常所聽的音樂之基本單元，是透過對應於樂器結構的正確操作，發出一系列結構化的聲音，並經由與之相應的符號系統記錄下來。「具象音樂」的基本單元則是透過錄製技術，採樣各種物質所出來的聲音／響，並透過後製、混音而成，像是搜集現實中的素材，進行另一種可能世界的想像。在聖堂表演中確實有「演奏」樂器，但它更多是把樂器當成「物件」，讓它發出各種可能的聲響，並參考十七世紀西班牙宗教音樂的曲風，結合古／今此地可能的聲響，搭配現場即時控盤混疊、回放，形成古今記憶的疊加、遞迴與交織。具象音樂在電影的功能，則透過音畫不同步——我聽到「某東西的聲音」，卻在視覺中找不到對應物──來產生眩惑的效果；以及在場與不在場的辯證，甚至能引起觀眾產生不信任視覺的效果。

此一「聲響表演」，呼應著與《沉默的聲音》線下計畫同一時期，於北美館所進行的「開放式結局：TFAM」第四波放映計畫之另一主題「聲音敘事」。

正因為電影將視覺侷限於景框（Frame）之中，外溢景框的聲音則具有一種鬆動既有認知的超越性，甚至權威感，而現實或是無景框的 VR 作品中，相較於聽覺，視覺則是更具方向性，並於視覺面向生產出「主客對立」的重要官能──我們會把看到的東西視為「我」之外的客體，創造出「彼／此」之間的區隔；如前段所述，透過視覺上的標示，更能讓人明確分辨出資訊中差異。

2025 北美館開放網絡計畫，線下計畫「沉沒的聲音」 場景照。圖像提供：臺北市立美術館

誠如科學圖像與藝術圖像在圖像學上的區分，科學圖像實用目的較強，觀看者會把注意力放在「呈現什麼」，以推動下一步的研究活動；藝術圖像的觀看者則會把注意力停留在「如何呈現」，也因此，觀看者更多是會徘徊、停留在藝術圖像面前品嚐玩味。但這並不表示科學圖像並不具有自身的美學原則，只是科學圖像的美學原則最大程度是服務於「讓觀看者能更專注投入在『呈現什麼』」的理解活動中。

如果以這組區分來考察許家維的作品，儘管他的作品會徵引科學圖像，甚至是特定知識領域的研究成果展現，如「沉沒的聲音」線下計畫展區中所呈現的三件沉船考古文物，展牆中對於水下考古的介紹，以及與此計畫相關之歷史背景、研究內容及技術說明。然而，許家維的作品更多是將這些科學圖像與聲納技術其後的「如何呈現」的感官層級拉到前景，使得觀眾得以徘徊於模擬成果的數位性，並且發覺這些模擬物件可能在視覺上產生的效果。例如從《在聖堂的一場演出裡》到《沉沒的聲音》，影像畫面皆有各種透過科技考古學重建的，不同考古文物模擬圖懸浮的畫面。

2025 北美館開放網絡計畫，線下計畫「沉沒的聲音」 場景照。圖像提供：臺北市立美術館

在操作著「以視覺傳遞知識」到「以聽覺喚起，瓦解直觀視覺所傳遞的資訊與建立秩序」再到「讓觀眾轉而去注意聲音與影像本身的呈現」的過程上，這兩件作品之間也共享著類似的邏輯。不過，《沉沒的聲音》更擅用虛擬實境以畫面包圍觀眾的「沉浸／沒」感，與水下沉船、水下考古潛水的情境雙關，使得一層又一層的聲響疊加，如浪濤般在形式、內容上全面圍堵觀眾的五感體驗。隨著觀眾穿戴 VR 頭顯，身邊共同體驗的觀眾同步套上了各自的虛擬分身──清朝水師、二戰日本海軍軍官、兩位早期潛水員、清代傳說生物海和尚──一開始觀眾還能看見清楚的展場空間，但逐漸地，觀眾就沒入到虛擬實境的世界中，隨著四周景物的移動，觀眾沉浸於船隻前行的情境中，而懸浮在觀眾四周的，是各樣與沉船相關文物的 3D 模擬，討海歌的即興彈唱、海面上的即時混音、沉船海域的環境聲景採集、水下自製樂器的敲擊、拉著水中共鳴箱的大提琴製造正規使用之外的可能聲響（包含水下聲音）、數位替身各自持有的樂器所演出的二戰軍樂⋯⋯觀眾同時也成為表演者，隨著各自聲響所乘載的不同記憶，一層一層地沉沒在聲響的浪濤之中。

作為北美館「開放網絡計畫」的其中一個線下計畫，「沉默的聲音」不只運用混合實境、多人連線與混音控盤等技術，來將水下考古中知識生產中的美學原則放入前景。科學圖像作為引發科學實踐而非讓人停留玩味的媒介，呼應著「虛擬實境」介於操作執行與觀看之間的性質，叩問著傳統觀影習慣在數位科技的環伺下如何誕生出新的未來。

影像提供／臺北市立美術館、許家維
責任編輯／黃曦