以青年創作者的目光，看見破碎時代的真相：《關渡電影節》學生單元系列影評——鴻鴻 ╳ 彭紫惠 ╳ 奚浩

作者介紹｜鴻鴻
詩人，劇場及電影編導。曾任《牯嶺街少年殺人事件》合作編劇，電影作品有《3 橘之戀》、《人間喜劇》、《空中花園》、《穿牆人》。曾獲南特影展最佳導演獎、芝加哥影展國際影評人獎、金馬獎最佳原著劇本獎。

作者介紹｜彭紫惠
藝術家與電影導演。創作媒材橫跨繪畫、陶瓷與影像。就讀於西班牙瓦倫西亞理工大學藝術創作研究所。首部獨立長片《春行》獲第 71 屆聖塞巴斯堤安國際電影節最佳導演銀貝殼獎，入圍第 61 屆金馬獎最佳新導演，並受邀紐約 New Directors／New Films 影展放映。2024 年獲頒中華民國導演協會最佳新導演獎。

作者介紹｜奚浩
影像與文學的重度愛好者。曾參與紀錄片拍攝、TIDF 影展評審等工作。目前任教於靜宜大學大眾傳播學系，開設影美學研究與紀錄片製作等課程。

第 17 屆關渡電影節主視覺。／影像提供：關渡電影節

編按：
短片電影作為許多電影創作者的初始之路，在有限的時間裡，它要求創作者回到最本質的狀態，探尋自身的創作意念、敘事觀點，即使不必負擔長片／商業電影極大的創作成本、票房邏輯。

但要如何在有限的創作資源裡，去蕪存菁地探明、挖掘、提煉以鋪墊往後的創作之路，又或是透過電影創作重新定義自己、找到創作的可能性──對於年輕的電影創作者而言，都是極其重要的過程。

而身為觀眾，我們要如何看見學生製作的短片電影，在可能的敘事瑕疵裡，仍然保有年輕創作者所獨有的生猛、素樸、誠懇，並且看見其中的創作潛力──這便是留待觀眾解答的重要命題。

以學生主導選片、策展的「關渡電影節」至今邁入第 17 屆，今年「學生單元」之六大單元，分別以【​餘幕未歇】、【​似即若離】、【​身位探行】、【​拾光憶象】、【​霧中縷暉】、【​囚影尋徑】，共同構築一道青年創作者的目光：從「幕前／幕後」、「自我／他者」、「回望／向前」等不同切面切入，自策展脈絡切入各式觀點的凝視，將六大單元相互編織成面對世界的一道叩問：置身於急遽變動的時代，我們要如何在破碎之中，錨定自我的存在？

學生單元 A【​餘幕未歇】
當布幕降下，掌聲響起，此刻演出才正開始。
謝幕後，真實的生活才現身──無法排練，亦無從退場。
收錄作品：《閬雨縫》、《變好了沒？》、《風流少女殺人事件》、《地獄哽》

短評撰文／鴻鴻

《閬雨縫》電影劇照／劇照提供：蕭閔之

《閬雨縫》（導演：蕭閔之）

單親女兒面對母親明顯的重男輕女，兩人心結難解。這個主題實在看太多，端看怎麼處理。歌仔戲班是個有趣的切入點，尤其女兒會在台上扮演兒子，讓穿耳洞行徑惹惱母親更為合理。不過台上的情節和唱詞完全貼合人物真實心境，少了戲裡戲外的層次對比，比較可惜。還有這個戲班從沒見過文武場，連放卡拉的人也沒有，也未免脫離現實。我最喜歡女兒只要生悶氣就坐上車子前座，而母親也知道到哪裡去找她。這種生活互動模式，勝過台詞的千言萬語。

《變好了沒？》電影劇照／劇照提供：張鈺倫

《變好了沒？》 （導演：張鈺倫）

魔術變得再好，也無法改變現實。這個主題處理得舉重若輕，毫不煽情。我最喜歡主角兩次去教兒童班魔術，面對混亂與挑釁的淡定，那種對人生與事業盡在不言中的無奈。還有帶客戶看房子時，從手心變出名片，對方沒發現，他也一樣自得。身邊那個很盧的朋友，鮮明對比出他的漠然。這種「沒有戲的戲劇性」，本片拿捏得恰到好處。

《風流少女殺人事件》電影劇照／劇照提供：洪瑋婷

 《風流少女殺人事件》（導演：洪瑋婷）

剪輯凌厲，風流少女眼神凌厲，讓本片超吸睛。一開始剖西瓜還以為蔡明亮上身，卻原來用驚悚類型語彙糅合新電影與黑電影，後來冰箱中的蘆筍汁淋西瓜又回歸蔡明亮趣味，創意非凡。唯一疑慮：小明從情慾幻想突然轉向拿刀復仇，不見任何動機，到底殺戮的目的是什麼？好像僅靠津津蘆筍汁廣告，說服力還有點不夠。

《地獄哽》電影劇照／劇照提供：邱孝尊

《地獄哽》（導演：邱孝尊）

單口喜劇演員面對猝死的父親，和父親留下來的囤積物，舊恨在他的表演中大爆發，挑戰劇中和影片觀眾對殘酷與幽默的底線，眼界不凡。冷調的處理手法、母與子收斂的演技，都逼近郭利斯馬基，值得期待。但好不容易把福德神像搬上卡米地舞台，卻輕輕帶過，沒有用到淋漓盡致，比較可惜。

學生 B【​似即若離】
她們靠得很近，卻又難以真正觸碰。
有時是互補，有時是牽絆，有時是難以言說的依賴⋯⋯
關係在拉扯與靠近之間變形，像兩條線交織纏繞，
可能繫出柔軟的結，也可能打成難解的死結。
收錄作品：《好久不見》、《二十八天》、《在奇幻地》、《二》

短評撰文／彭紫惠

《好久不見》電影劇照／劇照提供：蘇愛倫

四部作品皆聚焦兩位女性之間不同的關係與情誼，奇妙的是，她們卻又如此地難以觸及彼此，恰好誠實地呈現出關係的困難與迂迴，並無過於天真或低幼化的呈現。

《好久不見》為一部時長僅有 7 分鐘的停格動畫短片。導演蘇愛倫用纖細的紙質來搭建場景、道具與服裝，恰當地表現出脆弱易感的內在世界，兩個女孩僅靠傳聲筒聯繫不在身邊的對方。「妳還好嗎？」透過傳聲筒的線──畫面上唯一一條，手繪的虛線。這條虛線，維繫了兩個女孩互相陪伴的友誼與失落的情感，導演使用極簡的編制與表達手法，成功地讓人看見黑暗之光。

《二十八天》電影劇照／劇照提供：温晴

二十八天為女性月經平均週期，在温晴執導的短片《二十八天》裡，泳池邊，女孩 A 敏銳察覺另一女孩的異狀，體貼地跟著對方進到廁所。只屬於女性之間，因共通的身體經驗而產生的互相理解，潮濕與乾燥的身體感受，在這部片裡都被溫柔地呈現。隔著廁所門，淡淡地，兩人分享對性的不安，而影片裡，女孩 B 月經終於來了，心理跟身體終於放鬆了。看著看著，彷彿也回想起剛與月經相處的自己。這部短片彷彿給了我們一個輕輕的擁抱。

《在奇幻地》電影劇照／劇照提供：張學真

《在奇幻地》的導演張學真並不以奇觀化的方式呈現精神病院裡的故事。自然流暢的表演與台詞，像是在看一個社區居民的日常生活。與外在社會隔絕的人們，在精神病院裡度過一日又一日，兩個在裡面認識的少女互相牽掛又互相鬥嘴。但是，隨著出院的日子越來越接近，再度殘酷地將裡面與外面的人劃分成正常與不正常，友誼隨時都會結束的不安感，也存在兩人的心裡。

《二》電影劇照／劇照提供：藍偉豪

二，可以是兩個個體，也可以是兩條不會碰在一起的平行線。由藍偉豪執導的二，不僅於片名上直接以「二」作為命名，同時也視覺化呈現出女老師車上的兩道刮痕。壓抑的女老師試圖跨越女學生的界線，面對年輕女學生的叛逆與憤怒，兩人的交集最終成為不可能。

學生單元 C【​身位探行】
在反覆感知世界與自身位置的過程裡，
我們不斷探測「我」與「他者」、「自我」與「環境」之間的重疊與邊界。
收錄作品：《婚禮》、《近視》、《昏飛》、《I》

短評撰文／奚浩

《婚禮》電影劇照／劇照提供：薛祖杰

《婚禮》（導演：薛祖杰）

手持的搖晃、灰沉的畫面，模擬紀錄片的影像風格，暗示著這場婚禮是一則寓言，但卻指涉某種真實的狀態。故事的關鍵點是新娘在婚禮上失蹤，但就劇情來說，其實沒有充分的理由說明消失的原因，但這種缺席反而開啟了兩種隱喻想像。第一是暗示一個人選擇缺席自己生命的重要節點，其實是一種狀態，難以說清理由。第二是攝影機所暗示的視角，，當記錄婚禮的攝影機反而成為全片主角，攝影機縱觀全程，持攝影機的人會抽身成為旁觀者，而當新娘拿起攝影機時，她頓然成為反觀自身的清醒者，不再被現實的俗世羈絆，縱身離去。攝影機成為全片關鍵，新娘離開的原因和過程，只藏在攝影機的記憶卡中，至於這暗示著什麼，留下了延伸想像的空間。

《近視》電影劇照／劇照提供：張善淳

《近視》（導演：張善淳）

「近視」是一個靈巧的隱喻哽，從眼球引發觀看、關注、關愛的意涵，但隱喻應該點到為止、駐留在神話層，不宜過度落入故事的現實。片中的小女孩看不清世界，央求母親為她點眼藥水，更令人期待的是眼藥水能否點開一個不同的世界，從隱喻開啟另一層故事，更富想像、奇幻或某種不同界域的視覺感與事件，讓隱喻與故事各自發展。靈巧的隱喻如仙女，在此片被拉入凡間，最後遭到母親粗暴的對待，發現終究只有孤孑一身。雖然這可能是導演、編劇或許多人內心寫照，但若多些奇思的事件以包裹隱喻，再增添一些視覺風格的變換，可以拓展更多的意蘊和共鳴。

《昏飛》電影劇照／劇照提供：陳俊先

《昏飛》（導演：陳俊先）

影像的質地和風格極為到位，對於蔓生糾結於身體內，某種揮之不去的困擾和焦躁，影像本身便傳達出壓抑與掙扎的意象。這是一部共鳴感或說服力很強的作品，無論畫面或思考，各段落的元素融貫，情感節奏拿捏得宜。導演流暢寫意地表達出一種身體困擾的經驗，用幻視作寓，指涉一種黏附於身體內（包括意識）的惱人雜質，無論再用力地拗扭，也擠不出身體，即使吃下最鋒利的纖維也無法刺激排洩，雜質仍困鎖在體內，就算坦裎裸身，別人亦看不到，更體會不了。然而，我們的每一個此刻都伴隨著過去與未來，過去的種種成分與現在融為一體，欲棄不能：每個人都是自己出生以來，甚至出生以前的記憶凝聚，揮之不去的雜質、雜訊，會不會早已是身體的一部分？

《Ｉ》電影劇照／劇照提供：許芷甄

《I》（導演：許芷甄）

導演說這部動畫是一個夢境的世界，但看起來更像一道探索意識的長廊。數百年來，人們飛蛾撲火似的想要探尋自我的意識，但印象中有這麼一個比喻：「如果意識是亞馬遜森林，人類對意識的了解程度，大概是在黑暗的森林中立了一座路燈。」這部片恰好是以一盞微弱的燭火起頭，用語言和思考達不到的方式，呈現一場探尋自我意識的歷程。昏暗長廊中閃爍著超現實的物象，動物、進化、鏡像，以及達利風格的蜘蛛爬行在消失的身體與世界之間⋯⋯。這是一部超寫實的作品，但卻寫實地再現出每個人都經歷過的，在昏暗意識迷宮裡打轉的迷流經驗。

學生單元 D【​拾光憶象】
記憶或許藏在一捲泛黃底片、一道消逝的光，或一條不斷重返的溪流旁。
它看似屬於自己，卻在不經意間洩露那些尚未理解、尚未放下的過去。
收錄作品：《良夜之歌》、《voyu》、《登月指南》、《熱病》

短評撰文／奚浩

《良夜之歌》電影劇照／劇照提供：陳祖逵

《良夜之歌》（導演：陳祖逵）

「流」的意象貫穿這部作品的影像，一如希臘哲人赫拉克利特（Heraclitus）把腳伸進河中，懊惱於永遠踩不到相同的流水，遂生發出一聲感嘆：萬物皆流。此作打撈生活中各種流動的意象，河水、溝圳、海潮、神秘飄移的白霧，用這些意象鋪墊著一段 8 釐米影片，感嘆父親與阿嬤所僅有的消逝時光。流動是電影的本質，其誘人之處，在於可以再現意識與世界的流動性，並且挽留它們。然而，挽留本身就帶有遺憾與無力感，這部片似乎散發著兩種無力感，一是關於至親離世僅存片段回憶的嘆息，另一是創作者與父親之間，可以共感卻又只能遠觀和揣摩的無奈。

《voyu》電影劇照／劇照提供：黃聖鈞

《voyu》（導演：黃聖鈞、薛若儀）

這部電影由兩段沉重的父子故事交織而成。父親是鄒族原住民博尤・特士庫（漢名杜孝生，1922-2001），日治時期優秀的原住民醫師，1952 年受匪諜案牽連入獄四年。兒子杜銘哲是影片主軸，多年後他重新探尋父親生命的移動足跡，試圖尋回對父親的記憶與理解，也探問自己究竟心歸何處？令人印象深刻的是，片中杜銘哲顯少露出笑容，即便事隔多年，被驅逐隔離的漂泊感，以及白色恐怖的陰影，依然籠罩他的臉上，讓人能體會一段不公的待遇，對一個家庭與族群所造成的揮之不去的壓迫。可惜的是影片只有 30 分鐘，難以面面俱到，裝載了情感之後，無法更細緻地道述父子兩人的生命故事，而影片意在傳遞兒子的心路，相對缺少歷史事件與飄移故事的歷程，實為遺珠。

《登月指南》電影劇照／劇照提供：林文傑

《登月指南》（導演：林文傑）

「所有的文字與語言都通往石頭的某處縫隙，跟著一顆早已破碎的鏡頭。」短短七分鐘的影片，埋藏著許多深邃的思索，這是一部由金句譜成的實驗電影。文字會不會搶過影像的風采？影像該做什麼來跟語言共存？片中暗夜的海灘，主角頭上打出探照燈，彷彿是對影像功能的寓言。影像言語文字都是表象，躲藏在大腦皺摺深處的它們不分彼此，揉合混雜成情感與意義，而影像是探照燈，在大腦縫隙中尋找沉澱的物質。黑暗中，在探照燈的強烈照射下，這部片有許多近乎過曝的畫面，過曝是影像的邊界，似乎暗示著此作意圖在探尋影像的邊界，試著用影像挾帶出對世界的反思和感知，並挖出埋藏最深的意義。

2《熱病》電影劇照／劇照提供：王宏宇

《熱病》（導演：王宏宇）

某些記憶如黑死病，不宜輕易接觸。主角回到童年老宅，觸碰到禁忌的過往，記憶便如病毒一般擴散凌遲。此作的影像風格很強，濃烈的色彩情緒確實表現出鬼魅般的記憶折磨感受。可惜的是二姐角色略顯牽強，主要情節是透過字卡訴說，演員的表演張力有時也蓋過了故事和影像。在故事推進的細節上可以再加強，此外，我相信導演有足夠的能力用影像訴說故事，可以嘗試減少文字的說明。

學生單元 E【​霧中縷暉】
尋求答案的旅途並非總是筆直向前，
有時我們只能帶著缺口，行過迷霧。
收錄作品：《原來海上沒有島》、《發財車》、《彈珠汽水女孩》

短評撰文／鴻鴻

《原來海上沒有島》電影劇照／劇照提供：王智祥

《原來海上沒有島》（導演：王智祥）

在中配議題沸沸揚揚之際，這部電影提供了一個截然不同的視角。從對岸的兩個小孩眼中，折射出他們遠赴台灣、拿到或還沒拿到身分的媽媽們。片中在不同建築裡上上下下的奔跑，在巷弄間曲曲折折的追逐，就像他們無路可出、無路可退的人生，也像在浴室練習游泳，只能練誰憋氣憋得更久，卻游不到任何地方。他們想像的台灣島是什麼樣？我們想像的台灣島又是什麼樣？

《發財車》電影劇照／劇照提供：陳柏翰

《發財車》（導演：陳柏翰）

用一台不堪修復的發財車象徵送貨司機阿禾被世界拋棄的人生，用一個孤獨的孩子召喚他記憶中兒子的童年，這太過明確的類比剛好──也僅能──撐起太過單純的敘事。幸而有陳文彬深具說服力的演出。最有意思的環節是阿禾喜歡捨大路而走崎嶇的僻徑，看不同的風景，這是他和老闆小孩的私樂園，比起教小孩駕車上路的奇幻旅程，更有意在言外的魅力。

1《彈珠汽水女孩》電影劇照／劇照提供：唯然

《彈珠汽水女孩》（導演：唯然）

一部神奇的電影，美得令人心碎。美來自彈珠女孩真實感爆表的眼神，口吃與流利天衣無縫的交錯，還有口吃父親的二部合唱（簡直詩意）；美也來自小孩那些極端在意、卻又可以瞬間毫不在意的環節（例如扔掉的汽水瓶，撿回的破片還能繼續供養，或是與叫她「啞巴怪」的隔壁班男生莫名成為朋友）。所有恰到好處的分寸拿捏，都來自創作者的通透理解。《彈珠汽水女孩》讓我回想起成長中那些微不足道，卻怎麼也過不去的關卡，以及不知什麼時候就過去了。

學生單元 F【​囚影尋徑】
當現實空間如牢籠般緊縮，個體如何從縫隙中覓得出路？
收錄作品：《五花肉》、《從魚塭出浮出》、《留學生》

短評撰文／彭紫惠

《留學生》電影劇照／劇照提供：黃勇嵻

這三部作品都有明確的社會關懷。有回望台灣被殖民的歷史創傷與貧困，不同族群力求生存的處境與哀愁；有探討南部海域環境污染的作品，也有關於東南亞留學生／移工在社會與經濟上不公平處境的觀察。

《留學生》女主角名為阮氏青春，來台求學，看似青春，實則灰僕僕的青春。讓人印象深刻的是，導演黃勇嵻於本片巧妙地使用了台灣人熱愛的環保保溫瓶，來諷刺女主角面對看似溫情正確，實則偽善的社會情境。中規中矩的影像語言與有力批判之間存在著有趣反差。

《五花肉》電影劇照／劇照提供：隋淑芬

《五花肉》與《從魚塭出浮出》，則呈現出兩種表現手法上的極端樣貌。前者由隋淑芬執導，其影像風格拘謹，堪稱細節控，每個部分的處理皆小心翼翼，如同女主角的狀態，謹慎壓抑且細緻地安排一切；後者由杜孟澤執導，呈現出狂野奔放的實驗影像風格，整部片幾乎抽離色彩，使用黑白影像，黑白與現實之間的距離，替表現的可能性與觀眾的想像力開闢了新的空間。

《五花肉》描述早期原住民女性被殖民的歷史，在與外省人聯姻的家庭中，以犧牲肉身來滿足家人需求。飢餓的孩子，看見母親的秘密，似夢境一般的小男孩視角，卻在寫實場景裡，透過細緻手法編織出匱乏環境裡，小人物辛酸無奈的故事。

《從魚塭浮出》電影劇照／劇照提供：杜孟澤

《從魚塭浮出》全片的處理如影片裡的妖怪，異質並置且異常狂野，把神怪誌的故事合成環境污染，成為新變種異形。聲音設計帶出強烈身體感，逼催觀者捲入自身感官，一邊觀影越覺自己的胃越發緊縮，最終，像是灌了一杯導演替觀眾調製的藍綠色毒牡蠣 shot。

此單元使人看見新一代創作者多元的題材與表現方式，其中有傳統敘事作品，也有近乎錄像藝術的實驗。每一部片都有不同的關懷，讓我驚喜的是，大部分的作品都有極高完整度，並且看得見創作者誠懇的態度──這些潛力極高的導演們揭示了我們，進而思考如何在創作與環境上，跳脫現實的侷限，尋求創造的可能。

《彈珠汽水女孩》電影劇照／劇照提供：唯然

結語：

今年的六大學生單元中，興許都揭示出年輕世代置身於紛亂世界的軌跡與張力，即使不盡完美，卻也再次將短片電影的力量提陳──在不必滿足於工業體制的前提下，短片創作既是訓練，也是宣示，它既可能成為未來創作的踏腳石，也可能持續作為不容於世的獨立存在。

其中，更為關鍵的是：在這些嘗試裡，也讓觀眾進一步地持續思考，在一個極為碎片化的時代，電影還能怎麼語言？年輕創作者又能以什麼樣的語言，抵達觀眾的眼與心？

短評撰文／鴻鴻、彭紫惠、奚浩
責任編輯／黃曦
劇照提供／關渡電影節

第 17 屆關渡電影節主視覺。／影像提供：關渡電影節

活動時間：2025／10／11⽇（六）～2025／10／18⽇（六）
舉辦地點：國立臺北藝術大學 藝文生態館、人文廣場
活動票價：影片放映及講座皆為免費入場及自由入座
相關資訊：請由此

關渡電影節由國立臺北藝術大學電影創作學系主辦，為國內少數由電影系學生主導策畫之影展，每年十月於北藝大校內舉行。放映節目包含全國徵件與國際交流學校之作品，望促進國內外影視科系學生之間的觀摩與學習。

​關渡電影節作為展現青年創作者視野的平台，期許年輕世代透過電影藝術來處理不同時期「世界的變遷」與自身的關係。影展活動策劃重視電影創作者之間的交流，期待每一個未來的電影人在此找到新的刺激與共鳴。