採訪、撰文／趙鐸
文字整理／黃曦
專訪攝影／ioauue、顏采葳
劇照提供／驫舞劇場
責任編輯／黃曦
核稿編輯／黃曦
編按：為了紀念驫舞劇場 20 週年，《大群舞》（Big Dance，2026）以「群舞」之姿集結歷代舞者，橫軸是「身體的眾生／身相」，縱軸則是「身體的編年史」，共同交織、再現驫舞劇場──第一個十年，我們共同創作；第二個十年，為了發現自己，我們分開；第三個十年，我們重逢──的實踐歷程。
是以，本次訪談主要集中於「動作開發」、「集體創作」、「舞團歷史」，以及《大群舞》之於舊作的「重複」與「差異」等面相，也期待這樣的切入點，能讓以影音為普遍閱讀媒介的《釀電影》讀者，可以從編舞家蘇威嘉的分享中，找到欣賞當代舞作的支點。
《大群舞》編舞家蘇威嘉專訪。／攝影：ioauue
我們都面臨著地心引力的挑戰，關節有著同樣的限制，並以此前提造就各種身體的動態。動態構成了運動，其中構成最複雜的，其實是舞蹈。沒有人的膝蓋這樣舉起來、可以彎到另一邊，它自然在某些地方就會反彈、旋轉、螺旋。
身體厲害的人，他可以「東方」也可以「西方」，只是構成的元素組成不同。
多一點手掌、眼神，我就去了東南亞；把「這件事」放大一點，我就去了法國，變成芭蕾舞。就像料理一樣，這邊多一點、那邊少一點，透過最小的事情的掌握，也能形成某種風味。
所以練到後來，就無所謂東邊與西邊。──蘇威嘉
在驫舞劇場的二十年歷程中，可以暫時以十年前後，作為蘇威嘉的創作節點。
前十年的驫舞劇場，以特定的「動機」、「主題」進行創作聯想，後十年則將創作動機視為以「身體」進行延展，回歸純粹的「身體雕塑」。
2007 年的《速度》（Velocity）是他們第一次集體創作，面對以「速度」為題的動作編排，有人聯想起當時流行的「慢活」，因此提出在舞作中加入休閒的身體狀態；另一位編舞家陳武康提出以身體展現牛頓擺（Newton's Cradle）的「頻率」，透過雙手的交互碰撞、逐步轉換敲擊／被敲擊點，藉由身體經過敲擊／被敲擊所產生的物理變化，帶出身體的結構何以彼此勾連，以此建構出舞作。
而在隔年發表的舞作《骨》（Bones，2008），則是從「提到『骨』你會想到什麼」進行發想，團員提出舞作中需要一段關於「支撐」的雙人舞，眾人於是編排出各式堆疊的身體狀態，接著反覆抽掉其中一個支撐點，再找到新的方式堆疊上未失重的身體。
《大群舞》編舞家蘇威嘉專訪。／攝影：顏采葳
「驫舞劇場的元老級成員大部分都有芭蕾舞的底子，大家在做動作的時候，芭蕾舞訓練其實都刻在骨子裡。芭蕾舞有很多橫向的移動，被認為是極致的『五位腳』，因為要快速地置換重心，又要展現足夠的交叉，於是預留下來的身體重心便能協調另一半的身體。不只是芭蕾舞，無論東方、西方，許多舞蹈類型的基本動作都有相似的邏輯。」
跳舞時經常提及的「紮根」，其實就是找到重心，並且協調地運用重力。蘇威嘉認為「力」與「紮根」談的是協調性，因為力（量）與（重）力無時無刻都在變化，而我們無時無刻都在尋找最好的移動方式。
自 2004 年，蘇威嘉與陳武康等人共同成立驫舞劇場，並於 2007 年以集體創作作品《速度》，獲第 6 屆台新藝術獎表演類年度大獎，其後蘇威嘉長期為舞團編創新作、擔任演出；直到 2009 年受美國芭蕾大師艾略特．費爾德（Eliot Feld）的邀請，蘇威嘉赴美加入「Ballet Tech」舞團，展開為期四年的訓練計畫。
蘇威嘉坦言，在艾略特．費爾德的作品中，他對「身體」的「美學」有了更加深刻的認識。身體運作的完美無瑕、肢體動作的排列組合、表演者與音樂和空間的連結，乃至不斷突破限制的身體開發能力，無數機緣才能創造出魔法般的時刻。
《大群舞》編舞家蘇威嘉專訪。／攝影：顏采葳
即使蘇威嘉的英文並不流利，沒有辦法全然體會艾略特．費爾德的表達，但他卻能完全「看」懂。自 2013 年開始的《自由步》十年編舞計畫，亦是受艾略特．費爾德的啟發，透過舞蹈逼近身體的極限，進而賦予表演者和觀眾之間的自由聯想，身體成為蘇威嘉在語言隔閡之外的鑰匙。
隨著《自由步》系列作品的發展，蘇威嘉展現出受艾略特．費爾德薰陶的美學觀念，不同於此前作品聚焦於關鍵字的自由聯想，《自由步》系列更聚焦於「身體」，僅僅透過身體線條的構成、身體曲線的過程，展現出運動狀態中的各式可能性，而這其實更靠近美術的「雕塑」。
「我可不可以靠我的編舞，更靠近 Eliot Feld 一點？雕琢出像當時那樣令我悸動的作品？」蘇威嘉表示，《自由步》系列的許多作品，其實是沒有進程的，往往在第一分鐘決定下編舞邏輯，其後的時間其實都在尋找。他在編舞的時候想的不是隊形、結構，不是下一拍要做什麼，是一霎怎麼變成觀眾所見的永恆。
《大群舞》編舞家蘇威嘉專訪。／攝影：顏采葳
早期的驫舞劇場曾經被認為不會編群舞，因為團內舞者有著各自見長的風格，比如蘇威嘉被認為是「最靈活的胖子」，陳武康則被認為是全能的「王子型舞者」，外界對舞者風格強烈的評價既是他們能脫穎而出的優點，但也是較難跳群舞的缺陷。
若以《骨》來舉例蘇威嘉對「群舞」的定義，《骨》以舞者之間的彼此支撐、相互信任與交付所構成，多半被視為是雙人、三人舞作，然而「群舞」的定義則是舞者們同時做著一模一樣的事，但是蘇威嘉想的是：如果大家都在做一樣的動作，以此構成一支群舞，那麼在這裡面的「我」、「我們」又是什麼？
即使前作《速度》也有「舞者們共同做著一樣動作」的段落，但是在這裡面的動作，都有著「動機」。比如，當陳武康在舞作中編了一段舞者聽著音樂、扭動身體、比手畫腳的橋段，其實是在呈現遊樂場般的氛圍，而這給了蘇威嘉另外一種理解空間是，這其實就是眾人相聚在一起時的狀態。
「假設演出時間有七十分鐘，舞作裡頭的十二個人就會有十二條線。所有的線該在什麼時刻相遇，舞者之間要如何排列才會好看，排列又能創造出什麼樣的因果，每一條單獨的線裡面有著什麼樣的點，這會是我在編群舞時需要思考的。」
因此，來到《大群舞》也有舞者齊跳同一種舞步的編排，這則是蘇威嘉欲展現出「同中有異，異中有同」的狀態。比如一個正方形的隊形陣列，如何在節奏之中「扭」成其他圖形，轉化成不同的隊形變化。在《自由步》系列的十年之後，蘇威嘉認為過往的驫舞劇場並非不能跳群舞，而是這並非為他們向舞蹈發出提問的方式，而現在的他們在排練時，也因為此前的各自養成，於是對自己的、人的狀態更有掌握力了。
《大群舞》編舞家蘇威嘉專訪。／攝影：顏采葳
從「群舞不是舞團（對舞蹈）的核心提問」出發，《大群舞》作為編舞家、舞者二十年來的身體編年史，新作也將回頭貫穿在歷來作品的問題意識之中。而構成每一位編舞家與舞者的相信，是《大群舞》的每一個選擇都反映出所有的積累，其中包含深思熟慮的結果，或者來自身體直覺；這裡頭也有著曾經的成功，與挫敗後的檢討，舊的題目在挪用重編後有了不同的選項，過去片段也作為彩蛋放進新作中。
在創作中，我們可以依賴多種元素，並藉此產生行動，比如根據主題擴展，像是命題式作文；或者創作課經常遇到的「一百種坐姿」，我們必須窮盡想像、發展各樣的方法；還有一種是如「自由書寫」的直覺聯想。
不過，更多時候我們所依賴的是音樂。音樂的形式、聲音的質地，經常讓我們在使用身體時，自然地能排除掉許多事情。
「比如說上律動或下律動，不知道為什麼全世界都是這樣子。有許多傳統民族所發展出的舞蹈動作，都跟腳、地板有關，你在聽他們的音樂時，會發現這真的得這麼跳才對；或是我們在聽爵士樂的時候，身體就會像長蟲一樣，你會比較『蛇』一點，比較有『嚼勁』一點。」
《大群舞》與音樂設計洪于雯共同創作，以「打擊樂」進行音樂設計。比起旋律，蘇威嘉認為敲擊、打擊樂更像是耳朵聽到一個「事件」，帶給蘇威家更多的「空間」──「啪！」──的一聲爆炸聲響，隨著後面的餘音繚繞，它可以帶來很大的呼吸感。
《大群舞》編舞家蘇威嘉專訪。／攝影：ioauue
「這種聲音可以視為身體啟發的動能，我的身體於是跟它一樣地在高能量的動作中，且隨著它消散。它可以是，我們來看看誰的餘音比較繚繞，直到我們都安靜下來。又或是他『啪』的時候，我都沒有選擇，直到它很弱的時候，我才開始，像姍姍來遲的人，悠悠地開始行動。」
然而在實際演出時，蘇威家也表示打擊樂具備極強的主導性，但他在意的是創作的「過程」中，自己是否會被拉著走。他說音樂、旋律很多時候太好了，反而容易讓他往已經劃定的方向走，音樂會自然地告訴他，他的身體要怎麼運動，但是《大群舞》是身體的編年史，有很多事情他都不想被音樂掐著。
「固定拍、重拍或持續累積的變化，又或是一連串暴力的摧殘，可以讓舞臺變成一個轟鳴的現場。在舞臺丟一個人上去，就會與轟鳴的現場形成強烈的視覺感。」它像電視的轉臺聲，也可以是孤單的、混亂的，也可以是一種自虐式的，相較於具有明確指向性的「音樂」，聲響提供了更多可供選擇的選項，給予──編舞家、舞者、音樂設計──「我們」共在的空間。
2026 臺北藝術節｜驫舞 20《大群舞》主視覺／劇照提供：臺北表演藝術中心
2026 臺北藝術節：驫舞 20《大群舞》
時間｜2026/09/12 - 2026/09/13
地點｜臺北表演藝術中心－球劇場
售票連結｜請至 OPENTIX 官網
在臺灣當代舞蹈的版圖裡，驫舞劇場的存在，更像是一座沒有圍牆的排練場。
深耕臺灣當代舞壇的驫舞劇場，2026 年滿二十歲生日慶，《大群舞》由蘇威嘉編舞，林璟如擔任服裝顧問，「一公聲藝術」擔綱擊樂共創與現場演奏，演出者包括驫舞劇場三位創團元老：陳武康、蘇威嘉、周書毅之外，以及長期與舞團並肩奮戰的葉名樺、方妤婷、陳珮榕，與 6 位年輕世代（謝知穎、鄭紫彤、薛人愷、蔡昀庭、陳鈺晶、夏震緯）舞者齊舞，以驫舞成軍二十年的經驗與累積為底氣，交揉經典的過去、當下的念想與對未來舞蹈的提問。
從過去二十年的作品碎片中，從《速度》的戲謔、《骨》的純粹、《正在長高》的希望與絕望、到《自由步》的極致辯證。拾起那些早已埋藏在軀幹內、腳尖與心裡的記憶。這些檔案被重新提取、翻攪、重組，縫合入此時此刻的選擇。
在大舞臺上，12 個個體橫跨少壯到成熟的生命跨度。他們可能單一、成對、也可能成群，狀似萬物為生存而演化出的增殖策略。在呼吸吐納之間，序列規律與異變衝撞並存。這是一場視覺與感官的強烈衝擊：力量的綿延與崩裂、離散後的聚首，觀眾將深入群體的斷續與同異之中，看見 12 個身軀如何用結構稜線，雕刻出靈魂的模樣。
它統合了驫舞深耕藝壇二十年的動能，由陳武康、蘇威嘉兩位靈魂人物領航，盛邀創團時期的戰友周書毅，以及葉名樺、方妤婷、陳珮榕等長年合作的核心舞者重回大舞臺，並透過甄選招募新世代生力軍。這是一次跨越世代的對話，也是驫舞面向「20+」未來的集體宣示。
走過二十年，驫舞的目光不再只停留在舞臺中央的光點，而是轉向那些隱身於側臺的推手。他們細緻地梳理舞團的生命史，將鏡頭對準那些長期並肩的藝術行政與製作人。這份對歷史的自覺，揭示了驫舞最核心的文化：舞蹈從不是一個人的孤獨修行，而是一群人在時光裡，彼此支撐、共同續航的集體記憶。
